Вокални жанрове. Музикални жанрове Към кой музикален жанр принадлежи арията?

). Има и произведения, в които човешкият глас е използван като оркестрова окраска (Лешникотрошачката от Пьотр Илич Чайковски), в които гласът е придружен от мелодия.

Жанрове вокална музика:

• оперен,
• ораторски,
• камара,
• оперета,
• Джаз.

Кантата- произведение с тържествен или лиро-епичен характер. Характеризира се с малък обем и еднообразие на съдържанието (изразява се една тема). Операта (от латински - произведение, продукт) е вид синтетично изкуство. Художествено произведение, чието съдържание е въплътено в сценични и музикално-поетични образи.

Операсъчетава в едно театрално действие: вокален (солов) ансамбъл (хор), инструментална музика (симфоничен оркестър), драма, изобразително изкуство (декори, костюми) хореография (балет). Операта въплъщава всички форми на вокалната музика: (ария, ариозо, песен, монолог, речитатив, дует, трио, квартет, големи финали с хор).

Операта на своето време е разделена на жанрове

• Историко-героичен;
• Историко-романтичен;
• Юнашко-поетичен;
• Народна приказка;
• Лирични;
• драматичен;
• Комедия;
• Сатиричен.

Оратория (от лат. казвам, моля се) е голямо музикално произведение за певци (солисти) на хор и симфоничен оркестър. Те обикновено са писали на драматични и библейски теми. Камерен жанр - (на латински: Камера, стая.) Много обширен слой вокална музика, възникнал през епохата на Ренесанса и Барока. По това време се пишат мадригали, кантати и меси. Пеенето изисква виртуозност и изисканост. Пишат се произведения за солисти, малък хор и малък оркестър. Бароков стил (причудлив) - характеризира се с пищност, ефекти и желание за съчетаване на реалността с илюзията. В пеенето до кантилената има сложни каданси. Мадригал - (латинска песен на роден език). (стихове, припеви) - кратко стихотворение, хвалебствено, ласкаво, любовно, нежно, фино и трогателно. През 16 век става вокална поема (обикновено 4 - 5 души) През 17 век става лирическа поема, адресирана до жена. Кантатата е произведение с тържествен или лиро-епичен характер. Различава се от ораторията с по-малък оркестър и по-слабо развит сюжет. Съдържанието е светско и духовно-църковно. В камерния вокален жанр романсите заемат много голямо място. романско-испански (Romanso, sing in Romanesque.) Започва да се развива интензивно през 18-19 век, появяват се елегии, балади, драматични монолози. Малко по-късно се появяват песни с любовно, хумористично, сатирично и трагично съдържание. Най-добрите образци на класическата романтика са композиторите: Шуман, Шуберт, Чайковски, Рахманинов, Римски-Корсаков, Даргомижски. Оперета (от италиански - малка опера) Музикално-сценично произведение с комедиен характер, съчетаващо в своята драматургия: музика, танц, разговор, диалог. Спектакълът включва солисти, хор, оркестър и малко количество балет. Оперетата като самостоятелен жанр възниква във Франция в средата на 19 век. Създателите са драматургът Ф. Ерве и композиторът Й. Офенбах. Известност на оперетата донесоха следните композитори: Щраус, Лехар, Калман, Дунаевски, Лангербели.

Вижте също

Фондация Уикимедия. 2010 г.

Вижте какво е „Вокална музика“ в други речници:

Музика, в която основната част е пеенето, а свиренето на инструменти е само допълнение към нея. Речник на чуждите думи, включени в руския език. Павленков Ф., 1907. ВОКАЛНА МУЗИКА пеене със съпровод на к.н.... ... Речник на чуждите думи на руския език

Произведения за един, няколко или много гласове (със или без инструментален съпровод), с малки изключения, свързани със словото, поетичния текст... Голям енциклопедичен речник

Пускате радиото и чувате поп песен. Завъртете копчето за настройка; сега свири някакво хорово произведение, а на следващата вълна, изглежда, излъчват опера... Всичко това е вокална музика (от лат. vocalis, звучене, пеене), т.е. Музикален речник

Произведения за един, няколко или много гласове (с или без инструментален съпровод), с малки изключения, свързани със словото, поетичен текст. * * * ВОКАЛНА МУЗИКА ВОКАЛНА МУЗИКА, работи за един,… … енциклопедичен речник

Музика, предназначена за пеене. V. m. включва произведения за един, няколко или много гласове без съпровод (солови песни, ансамбли, акапелни хорове) и всякакви композиции за пеене с инструментален съпровод. Във всичко… … Велика съветска енциклопедия

Музика, предназначена за пеене. V. m. се третират като произведения за едно, няколко или много. гласове без съпровод (солови песни, ансамбли, акапелни хорове) и всякаква музика. композиции за пеене с инструменти. придружен от различни... ... Музикална енциклопедия

Вокална музика- (от италиански voce voice) музика, предназначена за пеене (соло, ансамбъл или хор) със или без съпровод. Най-обширната и популярна област на музите. иск В.А., включително адв. песенно творчество, култова музика и разклонения... Руски хуманитарен енциклопедичен речник

ВОКАЛНА МУЗИКА- строго погледнато, музика, изпълнявана само от човешки гласове, без инструментален съпровод; въпреки това в наше време със същото име се обозначава и музика за пеене със съпровод на инструменти. Човек глас…… Музикалният речник на Риман

Най-старата от всички видове музика. Всяка музика, изпълнявана от човешки гласове, без инструментален съпровод или с акомпанимент, играещ второстепенна роля, се нарича вокална. Вокалната музика включва: вокали, солфеж,... ... Енциклопедичен речник F.A. Брокхаус и И.А. Ефрон

Музикални жанрове и тяхната класификация. Общо понятие за жанр. Класификация на жанровете: по произход и житейска цел; според начина и условията на живот; според състава на изпълненията и начина на изпълнение. Класификация на жанровете според обхвата на образите и вида на изразяване. Основни жанрове и техните характеристики. Музикална форма. Понятието музикална форма. Музикалната форма като реализация на съдържанието. Омофонни форми.

Музикалният жанр е многозначно понятие, което характеризира класификацията на музикалното творчество по видове и видове, като се вземат предвид техният произход, условия на изпълнение, възприятие и други характеристики (съдържание, структура, изразни средства, състав на изпълнители и др.) . Концепцията за музикален жанр отразява основния проблем на музикологията и музикалната естетика - връзката между извънмузикалните фактори на творчеството с неговите чисто музикални характеристики. Музикалният жанр е едно от най-важните средства за художествена идентификация.

Музикалните жанрове са исторически установени разновидности на музикални произведения, определени от условията на тяхното съществуване (композиция и изпълнение), състав на изпълнители, характеристики на съдържанието и структурата.

Основни жанрове и техните характеристики

Всички музикални жанрове могат да бъдат разделени на четири категории:

1. Театрални жанрове (основните тук са опера и балет, освен това има оперети, мюзикъли, музикални драми, водевили и музикални комедии, мелодрами и др.)

2. Концертни жанрове (това са симфонии, сонати, оратории, кантати, триа, квартети и квинтети, сюити, концерти и др.)

3. Масови жанрове (тук става дума основно за песни, танци и маршове в цялото им многообразие)

4. Култово-обредни жанрове (тези жанрове, които са свързани с религиозни или празнични ритуали - например: коледни песни, песни за Масленица, сватбени и погребални оплаквания, заклинания, камбанен звън, тропари и кондаки и др.)

Вокални жанрове.

Песента е прост, достъпен вид вокална музика, която съчетава поетичен и музикален текст в един песенен образ. Песните се разграничават по жанрове, видове, композиция и форми на изпълнение. Има професионални песни, написани в народен дух и народни песни.

Народната песен е малко, обикновено стихово (строфично) музикално-поетично произведение, основен вид народно творчество.

Фолклорни песни:

Епос.

Исторически.

Революционен.

Новобранци.

Ритуал.

Труд.

лиричен.

Кръгли танци.

Игри.

Танцьори.

-Сатиричен

Романсът е музикално-поетично произведение за глас с инструментален съпровод, предимно с лиричен характер. Романсът произхожда от Испания през Средновековието и първоначално е обозначавал битова песен на испански („римски“) език, за разлика от латинските песнопения.

През 16 век любовните, хумористичните и сатиричните песни с инструментален съпровод започват да се наричат ​​романси.

Като лирически жанр романсът възниква през 19 век, способен да предаде вътрешния свят на човек.

Балада - (вид романс) произведение, което разказва за народни легенди. За героични дела, отдавна минали събития, понякога фантастични приказки.

Елегията е произведение със замислен, тъжен, траурен характер.

Серенада е песен, адресирана до любим човек.

Баркарола е лодкарска песен.

Приспивната песен е песен, използвана за приспиване на дете. Жанр на народната музика и поезия.

Вокални и инструментални жанрове.

Кантатата е концертно произведение за солови певци, хор и оркестър с тържествен или лирико-епичен характер. Кантатите могат да бъдат само хорови (без солисти) без инструментален съпровод, както и камерни кантати със съпровод на пиано вместо оркестър.

Те могат да бъдат едночастни или да се състоят от отделни части и номера (солови, хорови, ансамблови, оркестрови).

По структура кантатата е близка до ораторията и операта, от които се отличава с по-малък размер, еднопланово съдържание и липса на драматургично развит сюжет.

Общ план на типична сонатна форма

Симфониите са написани за изпълнение:

Голям симфоничен оркестър

Непълен симфоничен оркестър,

духов оркестър,

Оркестър за народни инструменти,

Симфонии за соло инструмент и оркестър.

Думата "Симфония" в Древна Гърция е означавала хармонично съчетание на тонове, както и съвместно пеене в унисон. В Древен Рим тази концепция е пренесена в инструментален ансамбъл, оркестър. През 18 век симфонията се обособява като самостоятелен концертен жанр.

Джаз

Джазът (на английски - jazz) е вид развлекателна музика, предимно със забавен характер. Джазът възниква в САЩ през 1915 г. и става широко разпространен в други страни. Беше заимствано от негърския фолклор спиричуълс, сър.

Типични форми на джаза: фокстрот, блус, one-step, чарлстън, танго, румба, буги-вуги, рокендрол и др. Един от предшествениците на джаза е рагтайм (англ. Ragtime, от rag - скрап и time - време, темпо, ритъм, „накъсан ритъм“. Форма на градски танц и ежедневна музика на американските чернокожи.)

Джазът е заимствал от фолклорната музика на американските чернокожи някои характеристики на ритъма (остри ритми) на начина, инструментариума и звукопроизводството. В джаза има специфичен лад с нефиксирана точна трета и седма степен; проста хармония, изпълнена с плагални обороти и последователност от паралелни субдоминантни шести акорди. Елементите на джаза се използват повече или по-малко самостоятелно в изкуството на някои съвременни естрадни оркестри, както и в симфонични и оперни произведения.

Джаз банда.

Джаз бенд (англ. Jazz-band; band - оркестър) - инструментален ансамбъл, оркестър, изпълняващ джаз музика. Джаз групата обикновено се състои от 4-6 саксофона, 2-4 тромпета, 2-3 тромбона, контрабас или туба, банджо, укулеле, няколко цигулки, пиано и селекция от ударни инструменти. Тази композиция варира, понякога се разширява значително (например симфоничен джаз), понякога се свежда до 3-5 инструмента. Смята се, че джаз бендът получава името си от името на черния Джазбо Браун, организатор и ръководител на първия подобен оркестров ансамбъл в САЩ.

Характеристики на джаз музиката.

Специфична скала с точно нефиксирани трета и седма степен.

Използване на глисандо.

Специален синкопиран ритъм.

Проста хармония, изпълнена с плагални обороти и последователност от паралелни субдоминантни шести акорди.

Балет.

Балет – (фр. Ballett, от лат. Ballo – танцувам.) вид синтетично изкуство; произведение на изкуството, чието съдържание е въплътено в сценични музикални и хореографски образи. Балетът съчетава музика, танц и пантомима, както и визуални изкуства, в едно театрално действие, базирано на общ драматургичен план (сценарий). Балетната музика не само придружава танца и пантомимата, но също така изразява драматично съдържание.

Балетът е музикално представление, сценичното действие на което е придружено от танц.

Танците в балета обикновено се разделят на класически и характерни (последните са близки до народните танци). Основната система от изразителни средства на балета е класическият танц. Има специфични балетни музикални и хореографски форми (например па де дьо - дует с определена структура). Голямо място заемат ефектните танцови епизоди (pas d'axion). Масовите танци се изпълняват от кордебалета. Танците и пантомимите често се комбинират в цялостни музикални и хореографски сцени. Танцовата музика се характеризира с яснота на ритмичната основа, стабилност на ритмичното движение и относителна пълнота на формите. Музиката на пантомимата е конструирана по-свободно и гъвкаво, без да се ограничава до конкретни танцови елементи. Наред с малки музикални произведения, балетът съдържа по-обширни, доближаващи се до вида на големите симфонични произведения, както и музикално-хореографски сюити (дивертисмент).

Балетите са различни по жанр - героични, комични, романтични, балетна феерия и др. Особено популярни в балета са приказните и фантастични сюжети.

Опера.

Операта (ит. opera, букв. - композиция, произведение, от лат. opera - произведение, продукт) е вид синтетично изкуство; художествено произведение, чието съдържание е въплътено в сценични музикално-поетични образи.

Операта е музикално представление, в което сценичното действие се съпровожда от пеене.

Операта съчетава вокална (соло, ансамбъл, хор) и инструментална (симфонична) музика, драма, визуални изкуства (декори, костюми) и често хореография в едно театрално представление. Различни форми на оперна музика намират разнообразно въплъщение в операта. Това са солови песни (ария, ариозо, песен, монолог), речитативи, ансамбли (дуети, терцети, квартети и др., включително големи финали, често с хор), хорови сцени, танци, оркестрови номера (увертюри, антракти и .д.)

В процеса на историческото развитие се определят различни оперни жанрове: историко-героични, историко-романтични, историко-ежедневни, героично-епически, битови, лирични, драматични, комедийни, сатирични и др.

Опера-балет.

Опера-балет (фр. Opera-ballet) е жанр на операта, в който балетните сцени заемат толкова важно място, колкото и вокалните. Характерно за френския музикален театър от края на 17-ти и 18-ти век. Характерно за Френската опера-балет е разделянето на сюжетно независими действия (или антре), обединени в един спектакъл от обща идея.

Има различни начини за класифициране на музикални жанрове. Музикологът Т. В. Попова предлага да се класифицират жанровете според условията на тяхното съществуване и изпълнение . Според тази класификация се разграничават жанрове:

Народна музика (музикален фолклор)

Развлекателна музика (включително съвременна поп музика)

Камерна музика (изпълнена от камерни ансамбли)

Симфонична музика (изпълнявана от големи оркестри)

Хорова музика (изпълнявана от хорови групи)

Театрална музика (включително опера, музика за пиеси, филми и др.)

V. A. Tsukerman предлага да се класифицират жанровете според тяхното съдържание:

Лирически жанрове

Епически жанрове

Концерт

Снимки (програмна музика)

А. Н. Сокхор предлага да се класифицират жанровете според т.нар. „Жанрово съдържание“

култ и ритуал

масово домакинство

концерт

театрален

Жанрове по начин на изпълнение: вокални и инструментални.

Вокалната музика е музика, предназначена за пеене.

Вокалните произведения се делят на

Соло (песен, романс, ария)

Ансамбъл (дует, трио)

Хор (хор, кантата, оратория)

Жанрове на инструменталната музика и жанрове на вокално-инструменталната музика. Знакът, взет за основа на тази класификация на музикалните жанрове, е методът на изпълнение, а основата е фактът, че във вокалната и инструменталната музика има различни възможности за разкриване на съдържание. Вокалните жанрове са свързани със словото (романс, песен), докато идейното и естетическото съдържание на инструменталното произведение (соната, симфония) се изразява само в музикални звуци. Междинната група са жанровете на вокално-инструменталната музика (кантата, оратория), която съчетава възможностите на вокала и инструменталната музика.

Музикалните жанрове са различни:

По характер (лирически, драматични, епични, комични)

Според сюжета (исторически, митологичен, литературен, ежедневен)

По състав на изпълнителите (опера, балет, симфония, вокал, инструментал)

Според характеристиките на формата (романс, соната, симфония и др.)

В зависимост от обстоятелствата на изпълнение (концерт, камерна, битова и др.)

Прости музикални форми: период, прости едночастни, прости двугласни, прости тригласни.

Музикалната форма има две определения:

Комплекс от изразни средства, които въплъщават определено идейно-художествено съдържание в произведението;

Структура, структура на произведението.

Определението за „музикална форма“ също означава индивидуално уникалната звукова структура на конкретно произведение, набор от техники и визуални средства за композиция.

Във всяко произведение музикалната форма е индивидуална, но има относително стабилни видове различни мащаби:

Музикален период;

Прости и сложни двуделни форми, триделна форма;

Вариационна форма, рондо, сонатна форма.

Най-малката семантична и структурна единица, в която се изразява музикална форма, е мотивът, който образува фраза. Две изречения образуват точка, а формата на точка обикновено очертава темите на произведението.

Музикалната форма е звукова реализация на съдържание с помощта на система от съответни елементи и техните взаимоотношения. Музикалната форма на произведението и съдържанието на композицията са едно цяло.

Всякакви нюанси на художествени чувства със сигурност са изразени с някакви средства, всякакви технически детайли на произведението служат за разкриване на цялото съдържание, замислено от автора...

Омофония(гръцки - монофония, унисон, от - един, един и същ, еднакъв звук, глас) - вид полифония, при която гласовете се делят на основни и съпътстващи. В Dr. В Гърция концепцията за хомофония означаваше изпълнение на мелодия с глас в съпровод на инструмент или пеенето й с няколко гласа в унисон, както и в една октава. В съвременното разбиране хомофонията е хомофонично-хармонична структура на музиката, характеризираща се с взаимодействието на 3 основни функции на гласовете - мелодия, бас и хармонични гласове.

Основните сфери на съществуване на музикалното изкуство. Национални празници. Концерти, представления. Фестивали, конкурси. Богослужения. Народна и композиторска музика. Музиката е светска и свещена. Класическа и модерна музика. Музиката е сериозна и „лека“.

Чрез фолклора и фолклорните празници едно дете може да се развие, да покаже своите умения, въображение, да покаже себе си. Народните празници дават отличен материал за развитие на естетическите сетива на учениците, разширяване на кръгозора им и повишаване на културното им ниво.

Основната задача на изучаването на народните традиции чрез фолклорни празници е да разкрие значението на фолклора като средство за активизиране на творческото мислене. На негова основа учениците развиват разбиране за истински красивите неща и има нужда да се запознаят с ценностите на народната музика, историята на родния край, традициите и обичаите на своя народ, песенното наследство на техните предци.

Функции на народните празници:

Развитие;

Информационно-образователни;

Културен и творчески;

Развлекателни и здравни.

Всеки народ има свой бит, обичаи, свои уникални песни, танци и приказки. Всяка страна има своите любими ястия, специални традиции в украсата на масата и готвенето. В тях има много целесъобразно, исторически обусловено, отговарящо на националните вкусове, бит и климатични условия. В продължение на хиляди години този начин на живот и тези навици съдържат колективния опит на нашите предци. Животът на хората се влияе от много фактори – природни, исторически, социални и др.

Концерт(от италиански concertare - състезавам се) - голямо музикално произведение с виртуозен характер за 1 или няколко солисти в съпровод на оркестър.

Звуковият дизайн е важен при изпълнението.

„Музиката в театъра започва в словото, продължава в ритъма, в мелодията на речта. Музиката е истинската същност на театралното представление. Можем да кажем, че ако едно представление е немузикално и неритмично, то това е лошо представление. Музиката ни учи да чуваме това, което в театралната употреба се нарича атмосфера на представлението, това, което се възприема като вътрешно зърно, като неразказан смисъл, това, което заразява, което се установява в душата, което продължава да расте, да цъфти в ума и в сърцето." Тези думи на Ю. А. Завадски потвърждават правилната позиция, че музиката в театъра, без да губи принадлежността си към музикалното изкуство, е същевременно част от театралното изкуство, тоест подчинена е на логиката на музикалното изкуство. развитието и законите на изграждане на драматургично представление. От това следва, че музиката в пиесата не е ценна сама по себе си, важно е нейното съзвучие с даденото драматично действие. Често редица театрална музика сама по себе си няма особени музикални достойнства, но написана за конкретна пиеса, подчертаваща играта на актьорите, тя прави силно впечатление на зрителя. Музиката за драматичен спектакъл е създадена от композитора в тясно сътрудничество с режисьора, изпълнителите и художника. Но ако артистът създава визуални образи, които понякога предизвикват аплодисменти у публиката, то композиторът в драматичния театър създава музикални образи, които рядко предизвикват подобна реакция. И това е естествено - театралната музика трябва незабележимо да участва в създаването на цялостната тоналност на представлението, като само засенчва неговото драматично и естетическо звучене. Степента на неговото въздействие ще бъде по-силна и по-непосредствена, колкото по-малко хора го слушат, без да спрат да го чуват. С други думи, музиката в драматичния театър неизбежно заема подчинена позиция. Но въпреки това в представлението тя трябва да даде независима интерпретация на случващите се събития, да интерпретира съдържанието и темата на произведението по свой начин, да помогне за развитието на сюжетните линии и по този начин активно да повлияе на възприятието на зрителя. Точният и ярък музикален образ винаги подпомага действието. Дори ако музиката е само фон, тя трябва да изпълнява тази скромна, но необходима цел във връзка с всички останали компоненти.

Фестивали- една от най-популярните форми на културни събития в света. Фестивал - (френски фестивал, от латински Festivus празничен) масово тържество, показване (шоу) на постиженията на музикалното, цирковото или филмовото изкуство.

Много е важно да се прави разлика между понятията „фестивал“ и „празник“.

Празник -празничен ден, установен в чест или в памет на някого или нещо. Включително ден или поредица от дни, празнувани от църквата в памет на религиозно събитие или светец. Почивен, неработен ден.

Основната разлика е, че празникът е събитие, което поражда фестивал.

В зависимост от мащаба на фестивалите те се разделят на градски, регионални, регионални, общоруски, международни, както и етнически и междукултурни.

В зависимост от идеологическата ориентация:

- професионален(фестивали с професионална насоченост могат да бъдат посветени на новите технологии, използвани в професионалната сфера - PR технологии, рекламни техники и др.)

- исторически, ретроспективен(пресъздаващи историческо събитие, епоха, легенди и ритуали от района, в който се провежда този фестивал). Примерите включват средновековния фестивал в Старая Ладога, саамския фестивал в Ловозеро, фестивала на викингите във Финландия;

- фестивали на съвременните технологии(демонстрация на най-добрите постижения в областта на развитието на технологиите, транспорта, компютърните технологии). Примери за това са Британският автомобилен фестивал, канадският фестивал Аркадия, посветен на компютърните технологии, и международният фестивал на анимацията в Бразилия.

В зависимост от основната аудитория: детски, младежки, категория (в зависимост от категория, професия, квалификация на участниците), общ.

Музикални състезанияоставете море от емоции на празника. Пеене - соло, хорово, придружено от музика, акапела, освен това всички възможни танцови жанрове - от балет до рокендрол - това е всичко, което изпълва музикалните състезания. Публиката, за която са предназначени музикалните състезания, няма граници. Това е универсално забавление, което няма да остави никого безразличен.

В момента свещената музика, по-специално музиката на православното богослужение, се превърна в обект на внимателно внимание и задълбочено изучаване. Това се дължи на факта, че духовната музика, призвана да изрази свръхсетивния свят в най-висшите му проявления, е собственост както на руската култура, нашата национална гордост, така и непреходната ценност на световното изкуство. В допълнение, той значително повлия на светската музикална култура на Русия.

Дълги години вековната традиция на православното богослужение беше ограничена у нас. Днес свещената музика и църковното изкуство са широко достъпна и духовно значима област на националната култура, провеждат се фестивали на православната музика, възражда се концертната практика, настъпват промени в репертоара на хора, интересът на композиторите към духовната и музикалното творчество нараства. В музикалните училища и консерватории се изучават художествените закони на литургичното пеене, които са различни от законите на общата вокална хорова музика. Много ученици и възпитаници на музикални училища и консерватории служат в хоровете на църквите като певци и регенти. В тази връзка нараства актуалността на изучаването на естетическите аспекти на богослужебното пеене. Ясно е, че не можем да обхванем изцяло цялото пространство на православната музикална естетика, но днес сме в състояние да идентифицираме нейните основни компоненти в техния исторически контекст. Музикалната естетика на православното богослужение включва анализ на теоретичните съждения за литургичното пеене (имплицитната музикална естетика на Православието), специалните закони на художественото творчество и специфичните образци на православната музика.

Литургичното пеене е значимо естетическо явление. В Русия хората, които се занимават с певческо изкуство, се наричат ​​избрани, мъдри и особено посветени и се отнасят към всичко, свързано с пеенето, като към тайнство. Днес ние ясно разбираме, че човек, възприемайки богослужение и още повече участвайки в него, хармонично влиза в контакт не само с религиозните аспекти на службата, но преди всичко с художествената стойност на музикалното изкуство като такова. От тези естетически позиции разглеждаме православното богослужебно пение.

Веднага трябва да се отбележи разликата между литургичното църковно пеене, свещената и светската музика. Много автори приравняват църковното и богослужебното пеене. Но, строго погледнато, църковно пеене е общо взето всичко, което се пее в Църквата (на богослужения, молебени, кръщенета, сватби и т.н.). Богослужебното пеене е част от църковното пеене и за него се отнася само това, което се пее на службите. Под „богослужебно пеене“ разбираме един негов вид – хорово пеене, въпреки че то съществува наред с песнопението на псалмопевеца, възгласите на свещеника, олтарното пеене и други по-прости форми на литургичното пеене. Актуалността на изследването се дължи и на идентифицирането на естетическата същност на православното литургично пеене, разбирането на целта на църковното пеене и проблема за творчеството в литургичната практика. Конкретното сетивно възприемане на богослужебното пеене от слушателя води до духовна наслада, която винаги съпътства естетическото преживяване. Слушателят наистина преживява участието си в „пълнотата на битието“.

Музиката, в която водещата роля принадлежи на гласа, се нарича вокална. Може да бъде написана за един, двама или много изпълнители, със или без акомпанимент. Жанровете на вокалната музика, както и инструменталната музика, преминали през дълъг път на развитие, се формират под влияние на социалните функции на изкуството.

Така възникват култови, обредни, трудови и битови песнопения. С течение на времето тази концепция започна да се използва по-широко и общо. В тази статия ще разгледаме какви са

Песен

Появил се в незапомнени времена. Той съчетава литературен текст с доста проста, закачлива мелодия. Този най-древен и първичен жанр в хода на своята еволюция се диференцира широко. Първите песни, създадени от хората, предават цялото многообразие на селския живот (календарни и обредни, семейни и битови песни, хороводи и хороводни песни). С времето се появяват и по-професионални авторски есета.

Вокални жанрове на Ренесанса: маса

Това е името на есе, написано за култов ритуал. Песнопенията се основават на текстове, взети от литургията на латинския обред и положени на музика. Композиторите от късния Ренесанс пишат в този жанр: Ласо, Палестрина. Месата традиционно се състои от пет части: Kyrie, Credo, Gloria, Agnus Dei и Sanctus.

До деветнадесети век произведения от този жанр са създадени изключително за мъжки хорове, като сопрановата част се изпълнява от момчета.

Мотет

Появява се във Франция в средата на седемнадесети век. Много жанрове вокална музика от този период са написани в полифоничен стил. Ярък пример за това е мотетът. Той комбинира няколко мелодии с различни текстове. Освен това долният глас (тенор) изпълняваше пеенето на латински, а останалите (motetus, triplum, duplum) изпълняваха частите на френски. Съдържанието на текстовете беше с хумористичен или любовен характер. Написани са мотети за хор с инструментален съпровод и акапела. Към този жанр се обръщат Палестрина, Ж. Депре, Г. Дюфе, а по-късно и В. Моцарт, Г. Хендел, А. Брукнер, Й. Брамс.

Мадригал

Този жанр възниква в Италия в средата на шестнадесети век. По това време мадригалът е художествена полифонична песен без съпровод. Като правило имаше светско, до известна степен дори любовно съдържание. Отличителна черта на песните от този жанр е тяхната умела текстура.

Виланел

Той е предшественик на мадригала. Буквално името „villanelle“ се превежда като селска песен. Произведенията от този жанр, написани в куплетно-строфична форма, бяха предназначени за

За изпълнение с три или четири гласа. Съставът на виланелите обикновено е полифоничен, съдържанието е комично или пасторално. Основната мелодия на песента (горен глас) се изпълнява от солиста, а останалите части служат като съпровод. С течение на времето тази функция беше възложена на музикални инструменти.

Романтика

Този жанр на камерната вокална музика се появява през втората половина на деветнадесети век. Романс е песен, написана за глас с акомпанимент (арфа, пиано, китара). В същото време задачата на акомпанимента е да разкрие по-пълно съдържанието на композицията, предавайки дълбоко лиричните и фини преживявания на автора. Към този жанр се обръщат хора като П. Чайковски, М. Мусоргски, М. Глинка, С. Рахманинов и др.

Балада

Това е името на музикално произведение, написано върху легендарен или исторически сюжет. Носи повествователно, епично и същевременно лирично начало. Първите музикални балади се появяват в Шотландия и Англия. Те се изпълняваха от солист в съпровод на хор, разказвайки за различни исторически, сатирични или драматични събития. Ф. Шуберт се счита за основоположник на този жанр във вокалното изкуство.

Серенада

В миналото така се казваше песента на трубадурите. През Ренесанса и Средновековието този жанр придобива ново значение. Сега това име се отнася за любовна песен, изпълнявана от джентълмен вечер под прозореца на любимата му. В този случай певецът си акомпанира на китара, мандолина или лютня.

Хорови жанрове на вокалната музика

Те заемат особено място в изкуството. Тези произведения, написани за хор, се отличават със своята свобода на изграждане и рядко използване на стиховата форма. Те се характеризират с максимално съответствие на музикалния материал с думите. Специален, но по-сложен жанр е вокалният цикъл. Образува се от няколко самостоятелни произведения, обединени от общ художествен смисъл. Много композитори се обърнаха към вокалните цикли. Сред тях са Шуман, Глинка, Шостакович, Мусоргски, Шуберт.

Циклични жанрове на вокалните произведения

Те се различават по по-големи форми. Те се състоят от няколко отделни самостоятелни части, които разкриват общия смисъл на есето. Изграждането на музикални произведения от тази форма се основава на принципа на контраста, главно темпото. Това включва оратории, меси, сюити и до известна степен опери.

Кантата

Това е името на циклично сложно произведение с лирико-епично или тържествено съдържание.

Той е малък по размер и може да включва солови вокални номера, хорови части, ансамбли и оркестрови епизоди. Разделите на кантатата, обединени от обща тема, са самостоятелни. Поради това те много често се изпълняват в концертни програми като отделни номера. Отделни части от този жанр предават различни драматични, съзерцателни теми): С. Прокофиев “Александър Невски”.

Оратория

Композиционно подробно произведение с голям мащаб, което се основава на ясно изразен героично-драматичен сюжет. За да го изясним, в изпълнителите често се включва разказвач или четец. Това произведение обикновено се пише за хор, солови певци и оркестър. Много композитори са работили в този жанр: Й. С. Бах „Страсти по Йоан”, К. Сен-Санс „Самсон и Далила”, И. Стравински „Цар Едип”.

Сюита за хор

Състои се от отделни тематични стаи, свързани с обща идея. Освен това всяко отделно парче е проектирано да засенчва или осветява различни аспекти на основната идея. Ярък пример за такъв цикъл е сюитата „Пет характерни картини”. В него музикални номера, ясно различни един от друг, рисуват цветни картини на определени образи („Селски празник“, „Русалки“, „Приближаването на пролетта“).

Опера

Това е мащабно драматично произведение, което съчетава жанровете на инструменталната и вокалната музика, както и хореографското изкуство и живописта. Написана е за изпълнение от оркестър, хор и солисти. Водеща роля тук имат отделни солови номера (арии, ариозо и арието), предаващи образите и настроението на главните герои.

Литургични жанрове на вокалната музика

Те заемат значително място в концертната практика. Освен това както православните песнопения („Вечерня“ от Рахманинов, „Литургия“ от Гречанинов и Чайковски), така и католическите („Реквием“ от Верди, Моцарт) са много популярни. По време на религиозни церемонии тези писания се допълват от ритуални действия, молитви и шествия. А на концертната сцена те по-скоро напомнят кантата или оратория, състояща се от отделни ансамбълни части, хорове и арии. В края на ХХ век литургичните жанрове придобиват светски черти. Ярък пример за това е „Реквием“ на Кабалевски и Бритън, както и произведението на Шчедрин „Запечатаният ангел“.

Лекция

Пеене– изпълнение на музика с глас; изкуството да се предава образното съдържание на музикално произведение с помощта на гласа; най-древната форма на музикално изкуство, връстник на човешката реч. В зората на съществуването на човешкото общество, по същото време, когато човекът се е научил да използва звуковата реч като средство за общуване с други хора, възникват първите примитивни форми на вокална музика, тясно свързани със самите форми на съществуване на примитивните племена . Това бяха овчарски викове, ловни или войнишки викове, възклицания, които обединяваха усилията на хората в съвместна работа. От тези възгласи впоследствие възникват трудови песни.

Още тогава музиката, и по-специално вокалната музика, придружава човек през целия му живот. Майките приспиваха бебетата с приспивни песни, песни съпровождаха детските игри и забавленията на възрастните и накрая хората оплакваха загубата на близките си в оплаквателни песни.

От тези древни времена човечеството е извървяло дълъг, вековен път. Музикалното изкуство също се променя, развива и усложнява, обогатява се с нови изразни средства. Но много от най-древните форми на вокална музика продължават да живеят, запазени в бита и изкуството на цивилизованите народи, и то не като реликва, а като естествен израз на човешките чувства. Такива безсмъртни форми на вокална музика включват например приспивна песен и много други жанрове на народното песенно изкуство, вкоренени в далечното минало.

Започвайки от най-простите, примитивни форми на древното изкуство и завършвайки с големи сложни произведения на нашето време, вокалната музика е неразривно свързана с речта, със словото, тъй като речта и пеенето са много близки един до друг. Колкото по-жива и изразителна е речта на човека, толкова по-мелодична е тя, толкова по-ясно чуваме повишаването и спадането на гласа в нея (така наречените речеви интонации), понякога толкова ярки, че ухото ясно улавя особената „мелодия“. ” на речта, въпреки че звуците на тази мелодия нямат фиксирана височина и следователно не могат да бъдат точно записани на нотния персонал. Колкото по-малко изразителна е речта (например скучна реч на оратор „от лист хартия“), толкова по-монотонна е тя, толкова по-монотонна е нейната интонация, толкова по-малко музика съдържа. Но между тях има и съществена разлика. За произнасянето и разбирането на думите е важна не толкова разликата във височината на звуците, а по-скоро техният цвят, разлика в резултат на промяна в положението на устните, зъбите и езика, в резултат на което чуваме гласни и съгласни.

Вокална музика- богато и разнообразно поле за музикално творчество. Класификация на гласовете:

Детски гласове (отстъпка). Известно е, че гласовете на момчетата, преминали специално обучение, се отличават с лекота, подвижност, красота и „сребърен“ звук. Именно на тези качества на детските гласове духовенството винаги е обръщало внимание и е използвало пеенето на момчетата в църковните хорове.

Всеки от тези гласове има свой собствен различен тембър. Например, колоратурно сопрано е подходящо за предаване на флиртуващо момичешко чуруликане, а суров тътен бас е способен да олицетворява образи на величествени, смели, заплашителни звуци.

Има различни форми на вокална музика, изискващи творческо напрежение от слушателите. Това са монументални класически произведения за солисти, хор и оркестър: оратории от Хендел и Бах, реквиеми от Моцарт, Берлиоз, Верди, кантати от Танеев, Рахманинов, Прокофиев. Тяхното музикално съдържание в никакъв случай не се ограничава до обичайните песенни мотиви. Те съдържат сложна хорова полифония, солови арии и разширени симфонични фрагменти. За да се проумее музиката на тези класически композиции, да се обхване в цялост техния величествен мащаб, трябва да има необходимия естетически опит.

Въпреки че мелодията на всяка любима песен в съзнанието ни неразривно се слива с думите, все пак трябва ясно да си представим, че музиката й представлява особена, напълно самостоятелна художествена стойност. Великият австрийски композитор Густав Малер веднъж остроумно отбеляза, че „музиката в една песен може да изрази много повече от това, което казват думите“.

Така че, слушайки вокална музика, ние не само следваме развитието на поетичния сюжет, но и възприемаме самата душа на песента, романтика, тяхната музикална същност, израснала от този словесен образ.

Има различни видове вокална музикаи съответно три стила на пеене:

- мелодичен стил. В тези произведения преобладава завършена, гладка мелодия, близка до песен. Този вид музика е особено разбираема и обичана от масите. Широко, гладко, свързано пеене - кантилена;

- декламационен стил -стил, който прилича повече на театрална рецитация, отколкото на пластичен песенен мотив. В такива случаи мелодичният модел възпроизвежда различни нюанси на човешката реч - интонации на гняв и изненада, радост и нежност, гняв и възмущение. Например вокалната скица на Даргомижски „Мелничарят се върна през нощта“ по думите на Пушкин. В него ясно преобладава декламационният принцип на изпълнение: певецът имитира или пиянското мърморене на мелничаря, който гуляе, или гневните викове на сприхавата му жена.

Декламационните техники са особено широко използвани в операта. Във вокалната музика, в частност операта, не трябва да се търсят само завършени мелодии от песенен тип. Трябва да можете да слушате декламационно пеене. Вярно, не винаги радва ухото, като красива течаща кантилена, но често улавя най-фините детайли на човешките преживявания, истински живи страсти.

Тази техника на изпълнение в музиката се нарича речитатив (вид вокална музика, която се доближава до естествената реч, като същевременно поддържа фиксирана музикална структура и ритъм). Използва се в опера, оратория, кантата. През 17-18в. възникнаха “сух речитатив”, “придружен речитатив”, т.е. придружен от акорди на клавесин (по-късно оркестър).

- Колоратурен стил- тук има отклонение от думата, голям брой декорации (понякога смачкващи думата), пасажи и бързо движение на мелодията.

Разбира се, случва се и посредствена музика да се пише към отлична поезия. В този случай успешна ария или песен все още няма да се получи, независимо колко добър е текстът. И обратното, имаше примери, когато брилянтна музика се съчетаваше с посредствена поезия. Така Чайковски създава някои от своите романси въз основа на думите на малки поети Д. Ратгаус или К. Романов. Следователно музиката е тази, която определя художествената стойност на вокалното произведение, неговото истинско съдържание. И слушайки песен, романс, ария, ние преди всичко се наслаждаваме на красотата на мелодията, вдъхновена от поетичното слово. Друго важно обстоятелство служи като критерий за художественото качество на такава музика: колко вярно тя въплъщава идеите и образите на стиховете.

Вокалната музика най-често съчетава пеене с инструментален съпровод или, както се казва, акомпанимент. В много романси, песни и оперни арии съпроводът действа наравно с вокалната част.

Под акомпанимент на пиано или оркестър често се илюстрират основните образи на текста и се подчертава звуковият фон, на който се разиграва действието.

Така, слушайки вокална музика, ние възприемаме в неразривна връзка три художествени елемента: поетичното слово, вокалната мелодия и инструменталния съпровод. Именно комбинацията от тези три елемента създава един завършен, единен образ.

Вокалната музика може да бъде представена от произведения с думи, без думи, за соло (едногласно), ансамблово (1,2,3,4,5 гласа) и хорово изпълнение.

Пеене без думи – вокализ (от фр. Vocalise – гласен звук). Вокализът се разглежда повече като упражнение за развиване на вокална техника. Известни са и вокали за концертно изпълнение (С. В. Рахманинов „Вокализ“).

Обикновено пеенето е придружено от инструментален съпровод, но понякога и акапелно (без акомпанимент).

Вокални примери за тези стилове: повечето опери от 19 век са в мелодичен стил: „Тоска“ на Пучини, „Аида“ на Верди.

Сцени и монолози от 19-ти и особено от 20-ти век са написани в декламационен стил: "Воцек" на Берг, "Коцкарят" на Прокофиев, "Носът" на Шостакович. Произведенията най-често се пишат в колоратурен стил за високи, леки гласове, които имат подвижност, но в началото на 18-19 век в Италия имаше лудост по колоратурния стил. Тази техника се практикува от всички певци, независимо от вида на гласа. Пример за това е музиката на Дж. Росини, операта „Пепеляшка“, където основната част е написана за мецосопран и дори басовата част също е колоратурна.

Много често вокални мелодии от различни стилове се използват в едно парче за създаване на различни герои и образи.

Чудесният италиански певец Л. Волпи пише за пеенето по изключително интересен начин: „Пеенето е най-важната проява на човешката природа, защото то е израз на чувства, страсти, въображение, мисли, тясно свързани с анатомичната и духовна структура на човека. Но артистичното пеене, подобно на камерното и театралното, изисква технически познания, упражнения, метод и стил, които само обучението може да осигури, трябва да можете да пеете, за да служите на изкуството и да запазите гласа училището създава музикален инструмент, превръща ларинкса, дихателната система и резонаторите в хармонично цяло, което може да генерира музикален звук, който отговаря на естетическите и акустични закони, но акустичните закони не се интересуват от различни школи, т.к. те познават само физическата природа на звука, запълват пропуските, а всяко училище, за съжаление, има свой собствен метод.

Въпросите и проблемите на вокалната техника са засегнати в произведенията на Хипократ (гръцки лекар, основател на древната медицина от 4-5 век пр.н.е.) и Платон (гръцки философ, ученик на Сократ от 4 век пр.н.е.). Преди 2500 години Хипократ пише, че „гласът се ражда в главата, тоест в черепните кухини“, което подчертава значението на резонанса и резонаторите.

Едно от първите достигнали до нас произведения за изкуството на пеенето, инструкциите за гласоиздаване и техниката на пеене се счита за трактат на арабина Абуал-Хасан (псевдоним - Зираб - дрозд). Трактатът е публикуван в Испания в началото на 8-9 век. През Средновековието (13 век) е известен трактат за пеене от Джероламо ди Моравия.

Най-известните автори на вокални педагогически произведения от 16, 17 и 18 век са Л. Закони, Г. Какчини, П. Ф. Тоси, Г. Манчини. През вековете изучаването на човешкия вокален апарат и неговите възможности, усъвършенстването на училищата, методите и принципите на изпълнение продължават, но всички произведения са описателни по природа, техните автори се спират подробно на развитието на вокалната техника и принципи. на изпълнение.

След изобретяването на ларингоскопа (огледало с дръжка) през 1855 г. от испанския учител М. Гарсия и изучаването на дихателните движения при пеене (40-те години на 19 век от Дидей и Петрекен), методическите насоки и техниките на преподаване започват да получават научна обосновка. Професионалното вокално изкуство е било известно в древния свят, това се доказва от литературни свидетелства от Гърция от 8-4 век: Омир, Сафо, Есхил, Софокъл.

Aeds композираха и изпълняваха произведенията си в акомпанимент на струнен инструмент. Няколко имена на певци-композитори от Древна Гърция са достигнали до нас, по-специално името на Терпандра, певците Стехизор, Ксенокрит, Клеомен, певицата Ниса от Локрида и други. Аедите бяха заменени от рапси, това бяха гръцки рецитатори, които в речитатив, без музикален съпровод, изпълняваха откъси от текстове, научени от записи на празници и празници, тоест те не композираха, а комбинираха и изпълняваха фрагменти от известни стихотворения, главно от Омир. В страните от древния Изток музиката е заемала много важно място. Смята се, че най-древното изкуство на професионалното пеене произхожда от Китай (от страните на Изтока).

До 6 век пр.н.е. се отнася до „Книгата на песните“ - „Shijing“, чиято компилация се приписва на Конфуций. Според конфуцианството музиката е микрокосмос, който въплъщава великия Космос, а песента играе много важна роля в китайската музика. Конфуций твърди, че красивата музика допринася за истинското управление, поради което тя има строго определена структура. През периода Хан (2 век пр. н. е.) в двора на императора е създадена специална музикална зала Юефу с група (до 800 души) от певци и танцьори от различни региони на Китай. Юефу фигури се занимаваха със събиране и обработка на народни песни. През 714 г. в Китай са открити 5 специални образователни институции, където се преподава музика, пеене и танци.

Поетите Ду Фу, Ли Бо, Бо Джу са написали песни по техни стихове.

През 10 век се появява най-големият музикален и теоретичен трактат „Записи за музиката“. През 13-14 век възниква и се развива театърът, в него доминиращо място заемат музиката и пеенето.

Музиката на Индия е най-старата уникална култура. Древните индийски литературни паметници са запазили многобройни свидетелства за неразделна част от музиката в живота на общността, в която музикантите са били на висока почит. Всяко племе имало свои собствени певци, чиито задължения включвали пеенето на химни по време на религиозни и магически обреди. Ритуалните песнопения са отразени в Ригведа, един от най-древните писмени паметници на Индия (2-ро хилядолетие пр.н.е.).

Трактатът за театъра, музиката и танца "Натяшастра" (I в. сл. н. е.) дава основание да се смята, че много преди създаването му индийците са имали силно развита, дълбоко уникална и оригинална музикална система.

Изкуството на индийските певци и инструменталисти е органично съчетано в народния и класическия индийски театър. По време на разцвета на санскритската драма от 4-ти до 7-ми век индийската класическа музика постига голямо развитие. Промените, които индийската музикална система претърпя в процеса на дълго историческо развитие, не засегнаха основните й теоретични принципи. Древните музикални канони остават непоклатими за много поколения индийски музиканти и са наследени от съвременните индийски теоретици и музиканти. В началото на 20-ти век Р. Тагор, който връща в индийската професионална музика традицията на единството на словото и неговия музикален израз, изгубена през Средновековието, за първи път излага идеята за синтезиране на мюзикъла култура на Изтока и Запада, което е началото на нов етап в развитието на музикалното изкуство на Индия.

Европейското вокално изкуство се развива главно под формата на народно и религиозно пеене. Първите исторически представители на вокалното изкуство са народните певци. През Средновековието в Западна Европа това са: бардове - Англия 10 век, трубадури - Франция 11 век, миньори - Германия 12 век, шутове - Русия 11 век, бандуристи, кобзари - Украйна, Полша 15 век, гуслари - Русия 16 век , лирници - Беларус, Молдова, Литва, Украйна 17 в. в Кавказ, Армения, Азербайджан - гъски 5 в. и суги 10 в.; в Централна Азия, Киргизстан, Казахстан - акини от 19 век.

Народните певци често са били и автори на песни. Изкуството се е предавало чрез устна традиция от поколение на поколение. С възникването на християнството пеенето навлиза в църковното богослужение и се разпространява в този вид по целия свят. До 10-12 век е монофонична, а след това полифонична.

Древните певци не се нуждаеха от специални технически методи, за да изпълняват своите прости едногласни песни, които използваха звука на средния гласов регистър и бяха придружени от акорди на прости музикални инструменти. Те търсят не толкова акустични ефекти, колкото изразяване на чувства.

Високият и свръхвисокият регистър на човешкия глас е откритие на модерното време, когато гласът, думата, идеята постепенно се сливат заедно и се адаптират, за да създават пряко впечатление.

Школите по пеене възникват, за да може човешкият глас да овладее две октави, необходими за изпълнението на музикални произведения с голямо разнообразие от теситура, често неестествена и озадачаваща.

Изкуството на пеенето е култивирано и в Древен Рим. Известно е, че там през 5 век сл.н.е. при папа Илария е открита първата европейска певческа школа.

Известно е също, че през 8 век е имало специални школи за църковно пеене в Мец и Соасон, където първи учители са били римските певци Петър и Роман, изпратени на Карл Велики от папа Адриан Първи, както и в Сен Гал и Обикаля манастири (в Швейцария), а през 9-ти и 10-ти век в Дижон, Тул, Камбре, Шартър и Невер (във Франция).

Не бива да се бърка "училищното" пеене с "народното"; те представляват две различни движения, които по-късно оказват значително влияние едно върху друго. Народното пеене донесе в училище изненадата на полета, блясъка на звука и смелостта на вариациите.

През Ренесанса се развива светска музикална култура, възникват нови, по-сложни жанрове на вокалната и вокално-инструменталната музика, което води до бърз растеж и по-нататъшно развитие на певческото изкуство.

Окончателното формиране на вокалното изкуство, една истинска и истинска певческа школа, започва едва с появата на операта. През 1599 г. в Палацо Корея във Флоренция изпълнението на Дафне от Якопо Пери, базирано на либрето на Ринучини, бележи началото на операта, смесица от оратория и маскарад, а с това и култивирането на добри гласове.

Обучението се провеждаше от самите композитори, също известни певци, които се опитваха да направят истински музикални инструменти от плът и кръв от своите ученици, като преподаваха дихателни техники, предаване на звука, развивайки силата на звука и в съответствие със строго обмислен система. По-късно, през 1600 г., владетелите на Флоренция са изумени от добре обучените гласове на Франческа и Сетимия Качини, дъщерите на композитора, чиято опера „Евридика“ изпълняват в Палацо Пити по случай брака на Мария де Медичи с Анри IV, крал на Франция. През 17 век в страните от Западна Европа се формират национални вокални школи, всяка от които се характеризира със собствен стил на изпълнение, начин на управление на звука и естеството на звука на пеенето.

Появяват се певци-композитори-преподаватели и същевременно възникват национални композиторски школи, които поставят определени художествено-изпълнителски изисквания към певците. Националният вокален стил на пеене отразява изпълнителските традиции, особеностите на езика, темперамента, характера, интонацията, модалните и ритмични компоненти на дадена страна и регион, както и тяхната народна музика. Още в началото на 17 век възниква италианската школа за соло пеене, отличаваща се със съвършената техника на белканто (красиво пеене) и блестящи гласове. Климатът на Италия, вокалността на италианския език и лекотата на италианските мелодии за гласа направиха възможно максималното използване на певческите възможности на гласовия апарат.

Италианската школа разработи стандарт за класическото звучене на гласа, повлия на формирането и развитието на други национални вокални школи.

Най-известните музиканти от онова време: Дж. Пери, Г. Качини, К. Монтеверди, А. Скарлати. Първоначално операта е била привилегия на придворните кръгове, но през 1637 г. във Венеция е открит първият платен театър, което прави операта достъпна за хората.

В началото на 18-ти и 19-ти век италианското пеене се характеризира с изобилие от колоратури. Колоратурният стил на изпълнение се свързва главно с изпълнителското изкуство на певците-кастрати, доминирането на „мъжки сопрани” и фалцети. Те пееха в църкви, параклиси, театри, облечени в женски дрехи, изпълнявайки женски роли. Жените не участваха в публични театрални представления. Има авторитетни свидетелства за блестящите успехи на кастратите (Казанова, Росини). Гласовете на най-добрите кастрати звучаха чисто, леко, красиво, безгранично; те отстъпваха дори на брилянтните певци Пати и Котоня. Изоставили всичко земно в името на пеенето, те звучаха като гласове от други сфери, но нямаха живота и топлината на женско сопрано, а физиологичните разстройства в резултат на кастрацията водят до чудовищно затлъстяване, което не е естетично приятно.

Самите певци започват да композират различни вокални и технически украси в ариите, въз основа на техните технически вокални възможности. Пеенето започна да се превръща в „турнири по вокална техника“, мисълта и думите започнаха да изчезват от музиката, отстъпвайки място на чисто звукови красоти, които направиха огромно впечатление на слушателя. „Поезията се е удавила в декоративно пеене“. Росини сложи край на "гласовото хулиганство". Той започна да пише задължителни каданси за партията, изисквайки точното им изпълнение. До края на 19 век се установява естественото равновесие и оперното творчество

Г. Росини, В. Белини, Г. Доницети, а по-късно и Дж. Верди, доведоха италианската вокална школа до развитието на кантиленния звук на гласа, до разширяване на диапазона и увеличаване на неговите динамични предимства. Вокалните партии са станали по-индивидуализирани в съответствие с характеристиките на образите.

По-късно творчеството на Г. Пучини, Р. Леонковало, П. Маскани, У. Джордано доведе до засилване на ариозно-декламационния принцип, до емоционалното изостряне на пеенето, което характеризира съвременното изкуство на италианските певци. Най-известният
италиански певци:

G. Pasta, A. Catalani, A. Bosio, G. Rubini, L. Lablache, A. Patti, A. Masini, M. Battistini, E. Caruso, T. Ruffo, A. Galli-Curci, G. Lauri- Волпи, Г. Симионато, М. Дел Монако, Ф. Корели, Г. Ди Стефано, Р. Ското, М. Френи, Ф. Косото, П. Капучили. Френската школа, водена от Ж. Б. Люли, се бунтува срещу италианската школа белканто. Особеността на тази школа се определя от декламационния стил, който произхожда от скандирана рецитация на поети и актьори от френската класическа трагедия от 16 век. Националният характер на песента се отразява и в това училище. Този стил се формира под влияние на творчеството на Ж. Б. Люли, Рамо, К. В. Глюк, А. Гретри и след това Й. Майербер. К. Гуно, К. Сен-Санс, Ж. Масне, Ж. Бизе. Най-важните представители на школата са певците: А. Нури, Ж. Дюпре, Д. Арто, М. Малибран, П. Виардо, Ж. Девойо.

Интересен факт е разделянето на френското общество на 2 лагера от привърженици на италианската и френската школа по пеене. Мненията на краля, кралицата, целия двор, Русо и Волтер бяха разделени. Това „разделение” на обществото остана в историята под името „войните на шутовете”. Ромен Ролан характеризира френската вокална школа от 18-ти и 19-ти век като школа на отличното актьорско майсторство и рецитация. Неслучайно Парижката консерватория получава името на консерваторията на „музиката и декламацията“.

Германо-австрийската школа се стреми да съчетае италианското белканто и прекомерния „експресионизъм“ на френската школа, така че емоцията и мисълта да заемат полагащото им се място. Така възниква творчеството на Й. С. Бах и Г. Ф. Хендел. В. А. Моцарт синтезира постиженията на всички основни съвременни школи.

Музиката на немските композитори Л. Бетовен, К. М. Вебер, Ф. Шуберт, Ф. Менделсон, Р. Шуман, Й. Брамс, Х. Волф е тясно свързана с немското национално писане на песни, наистина национално, породи нова роля в това време : камерно пеене, камерна певица. Творчеството на Р. Вагнер се откроява в немската музика. Той оживява особен стил на пеене с възвишена декламация, сила на тембъра, богатство на звука на гласа (често прекомерно, дори разрушително за човешкия глас) и изпълнение на дълги фрази с нарастваща звучност. Гласовете на вокалистите на Вагнер бяха вплетени в звука на оркестъра, като един от инструментите. Оперите са огромни платна. Някои са изпълнявани 5 вечери подред ("Пръстенът на нибелунгите", "Das Rheingold"). Стилът на изпълнение на немските певци от следващите поколения е повлиян от оперните творби на Р. Щраус, А. Шьонберг, А. Берг, П. Хиндемит, К. Орф и др.

Най-известните певци: Г. Зонтаг, В. Шрьодер-Девриент, Л. Леман, Й. Щокхаузен, Е. Шварцкопф, Л. Фишер-Дискау, Т. Адам. Други страни имат свои национални вокални школи, свои прекрасни певци и преподаватели, но водещото място винаги е заемано от италианската школа и певци.

През 19-20 век историята на световния вокал включва: Е. Линд - Швеция; К. Новело – Великобритания; Е. Решке, А. Дидур, Е. Бандровска-Турска – Полша; Х. Даркъл – Румъния; Е. Дестинова -Чехословакия. До средата на 20 век вокалното изкуство се развива широко във всички европейски страни, САЩ, Канада, Южна Америка, както и в Япония, Корея и други страни.

В Русия до началото на 18 век вокалното изкуство съществува само под формата на народно и църковно пеене. От установяването на християнството обучението на певци се извършва в манастири, а след това в енорийски църковни училища. Има исторически данни, потвърждаващи наличието на домашна певческа култура още през 10-11 век. Например, известно е, че при киевския княз Владимир Святославович (978-1015) е имало професионални певци.

Опитите за организиране на музикален театър в Русия датират от средата на 17 век, тогава, при Петър Велики, трупа от седем актьори, ръководени от Кунст, е поканена да изнася музикални представления. През 1735 г. италианска оперна трупа е поканена в Русия за постоянна работа, която пуска здрави корени на руска земя.

Руската оперна певица се очерта като уникално явление. Непоследователността на някои историци е очевидна, когато се опитват да разглеждат пеенето на руските певци само като резултат от влиянието на италианската вокална култура. Всъщност оригиналността на стила на изпълнение на руските певци, дълбочината на чувствата, характерни за руския човек, и накрая, фонетичните особености на руския език, направиха възможно националната руска вокална школа да следва своя собствен път. Разбира се, влиянието на италианската школа за пеене върху руските певци несъмнено съществуваше и се усещаше дълго време. Един от първите руски учители по пеене е И. А. Рупин, крепостен селянин от Костромска губерния, който учи пеене в Италия. Композиторът преподава в Придворния хор

Д. Бортнянски.

От този период (18 век) датира художествената дейност на руските певци и певци, положили основите на руската певческа школа: А. Михайлова, Е. Уранова-Сандунова, Н. Семенова, А. Крутицки, Н. Воробьов и др. П. Злов, В. Самойлов, Н. Лавров и др. Невъзможно е да не се отбележи огромната роля на руския „градски“ романс в историята на руското вокално изкуство, както и дейността на композитори, певци и учители А. Варламов и П. Булахов.

Появата на руската опера като независим музикален жанр е свързана с името на М. Глинка, а ролята на Глинка като изпълнител и вокален учител, създател на уникална школа за „концентрично развитие на гласа“ е не по-малко значима.

Ученици на Глинка: О. А. Петров, А. Я. Воробьова-Петрова, Д. М. Леонова, А. П. Лодий, С. С. Гулак-Артемовски.

Впоследствие развитието на руската вокална школа и нейните изпълнителски принципи е повлияно от творчеството, както и от критическата и педагогическата дейност на А. С. Даргомыжски, А. М. Серов, М. А. Балакирев, П. А. Кюи, Н. А. Римски-Корсаков, М. П. Мусоргски, П. И. Чайковски . Характерни черти на руската вокална школа са майсторството на драматичното актьорско майсторство, простотата и искреността на изпълнението с перфектна вокална техника, способността да се съчетават вокалните умения с емоционално наситено живо слово.

Изключителни певци на Русия: Ф. И. Шаляпин, И. В. Ершов, А. В. Нежданова, Л. В. Собинов, Г. С. Пирогов, К. Г. Держинская, В. В. Барсова, Н. А. Обухова, Е. К. Катульская, С. П. Преображенская, Е. А. Степанова, С. Я. Лемешев, И. С. Козловски, Г. М. Нелеп, А. С. Пирогов, М. П. Максакова. За читатели, които се интересуват от подробно представяне на различни вокални школи, мога да препоръчам работата на И. К. Назаренко „Изкуството на пеенето“.

Прекрасен певец и учител от 19 век. С. П. Юдин каза: „Ученикът трябва ясно да разбере, че без неговите лични упорити и постоянно демонстрирани усилия той никога няма да може да изпълни желанието си - да стане певец. Тази задача не е толкова лесна, колкото си мислят много хора. Да имаш всички данни, за да станеш певец, не е всичко! Необходимо е, първо, да обичаш изкуството на пеенето, да обичаш истински, с ентусиазъм и, второ, да можеш да работиш усилено, постоянно, вярвайки, че работата не е бреме, а удоволствие, без което животът не е интересно.

Въпроси за самоконтрол:

Литература:

Една от основните тайни на силата на една песен е нейната простота. И за най-сериозните неща - за борбата за свобода, за мир на земята, за щастие, за истинското приятелство, за героичните дела - песента може да говори с прости думи, съчетани с проста, лесно запомняща се мелодия. Песента, подобно на повечето други вокални произведения, е дете на музиката и поезията. Но връзката на тези изкуства едно с друго тук е малко по-различна, отколкото, да речем, в романс или ария. В песента се пеят различни поетични строфи на една и съща мелодия, която се повтаря няколко пъти. Строфа от песен се нарича куплет. Обикновено се състои от две части - водеща и припев. В припева думите се променят всеки път, но в припева не. Спомнете си например песента „Нека винаги има слънце“, създадена от А. Островски.

РОМАНТИКА.

Романтика е име, което идва от испанската дума „romance“, което означава римски, тоест изпълнено на „римски“ (испански) език. Това име се появи, когато така наречените „светски“ песни станаха широко разпространени в Испания. За разлика от църковните песнопения, които в католическите страни винаги се пеят на латински, „светските“ песни се пеят на испански. Романси - пиеси за глас с инструментален съпровод - се разпространяват от Испания в цяла Европа. Те също се озоваха в Русия. Разбира се, тук те не звучаха на испански, но името остана. Първо - само за тези произведения, които са имали неруски (най-често френски) текстове. Пиесите, изпяти с руски думи, се наричаха „руски песни“. С течение на времето композиторите започват да създават романси по стихове на руски поети. Романсът може да отразява различни аспекти на живота, отношението на композитора към текущите събития. А романсът на Прокофиев „Бъбривец“ е комична скица. Има и романси без думи. Инструментът ги пее.

БАЛАДА.

Това стихотворение на Лермонтов се нарича „Дирижабъл“. Това е балада. Тази дума идва от италианската ballare - танцувам. Някога танцовите песни се наричаха балади. През Средновековието баладите се превръщат в повествователни песни. Изпълняваха се в съпровод на някакъв инструмент. Те разказваха за различни исторически събития, за народния живот, за рицарски подвизи, за разбойнически набези. Това е „Горският цар” на Шуберт, „Нощен изглед” на Глинка, „Забравените” на Мусоргски. Композиторите се стремят да предадат в музиката развитието на сюжета на баладата и често я даряват с фигуративни характеристики. Например в акомпанимента на баладата на Шуберт „Горският крал“ ясно се чува ритъмът на бърз скок. По-късно се появяват и инструментални балади, несвързани с думи. Полският композитор Фредерик Шопен е първият, който създава такива балади. Чудесна балада за пиано е написал и норвежкият композитор Едвард Григ. Той така и не обясни съдържанието й, но самата композиция на музиката подсказва, че неговата балада е разказ за Норвегия, за нейното минало, за времената на легендарните походи на викингите, за нейната същност... В крайна сметка те могат да пеят едно и също нещо като всички останали.. Но не. Тези песни са необичайни, както и лодкарите, които ги изпълняват. Barcarolle е роден в прекрасния италиански град Венеция. Построена върху множество острови, Венеция почти няма улици. Вместо това градът е прорязан от канали. Вратите на къщите се отварят директно в каналите, а за стъпалата са завързани дълги черни лодки – гондоли. В такива лодки, тихо плъзгащи се по безкрайните ленти на канали, се раждат баркароли - песни на гондолиери. Тези песни са плавни и мелодични, придружени от отмерено полюшване в особен ритъм, сякаш от вълни, които се търкалят една след друга. Композиторите се влюбиха в мекия песенен ритъм на баркарола (понякога наричан гондолиер, а след венецианските народни песни се появиха баркароли, създадени от композитори от различни страни, вокални и пиано баркароли. Менделсон „Песни без думи“, Чайковски „The Годишните времена”, Глинка, Шопен, Рахманинов, Лядов А от вокалните баркароли най-известната и написана от Римски-Корсаков е „Песен на госта Веденец” от операта „Садко”.

БАРКАРОЛА.

Италианската дума "barka" означава лодка. Нейно производно е баркаролата – лодкарската песен. Може би някой ще се изненада: защо песните, които пеят лодкарите, трябва да имат специално име! И през 19 век баладата се ражда отново в професионалното изкуство. Превърнал се е в литературен и поетичен жанр. Към нея са се обръщали поети от различни страни - Гьоте и Юго, Хайне и Мицкевич, Пушкин и Лермонтов... Баладата е история, но не проста. В него със сигурност трябва да има елементи на фантазия. Зад една външно спокойна форма винаги се крие голяма вътрешна драма. Прочетете Дирижабъл и ще го усетите. И тогава баладата отново намери музика. След поетите те започнаха да идват при нея

свържете се с композитори. „Горският цар” от Шуберт, „Нощен изглед” от Глинка, „Забравените” от Мусоргски са големи вокални произведения, които използват текстовете на поетични балади и запазват основните им характеристики. Композиторите се стремят да предадат в музиката развитието на сюжета на баладата и често я даряват с фигуративни характеристики. Например в акомпанимента на баладата на Шуберт „Горският крал“ ясно се чува ритъмът на бърз скок.